Maus. El fin convierte la obra en un medio

By Ramon Ruestes Faire | Cine

Maus. El fin convierte la obra en un medio

Se une a la quiniela personal del Festival de Cine Internacional de Catalunya de Sitges de este año Maus (2017) ópera prima del reputado director de cortos Yayo Herrero. Con numerosos reconocimientos por sus cortos Picnic (2010), The Acrobat (2013) y Safari (2014), el director asturiano da un paso adelante con la presentación de su primer largometraje en el lugar idóneo para ello, Sitges. Apostar por los nuevos talentos nacionales es vital para un servidor, por lo cual incorporar Maus (2017) a mi particular listado de visionados es casi una obligación. Además, la obra gira alrededor de un survivor boscoso con tintes de terror y un potente mensaje de fondo, hecho que no hace más que aumentar mi curiosidad por el proyecto.

La historia gira alrededor de Alex y Selma, una pareja enamorada que viaja al corazón de Bosnia y Herzegovina. Cuando se quedan varados en medio en un espeso bosque alejado de la mano de dios, dos desconocidos se ofrecen a ayudarles. A partir de ese momento el rencor de la guerra y la desconfianza tiñen la historia.

Curiosos e interesantes recursos

Maus (2017) es una obra que ha despertado mi curiosidad, sobretodo en el aspecto técnico. Yayo muestra dos elementos claramente diferenciales en este apartado. En primer lugar, el uso de planos cortos. A pesar de contar con el espeso bosque de paisaje, este se queda en un segundo plano. Prácticamente todos los planos se centran en los protagonistas. Planos tremendamente cercanos, largos e incluso estáticos. Curiosa forma de dar protagonismo a los personajes en general y a Selma en particular.

Maus. El fin convierte la obra en un medio

En segundo lugar destacar la forma en que el director apuesta por dejar al espectador a oscuras en más de una ocasión. El recurso se usa de forma recurrente para cortar escenas o para ocultar situaciones aparentemente más violentas o tensas. Ambos recursos marcan una clara diferencia dentro del género y le dan, quizás, una marca de estilo a Yayo, aunque dudo que ambos sean útiles en una obra diferente.

El film cuenta con un ritmo pausado sin llegar a ser lento. La tranquilidad que muestra se ve perturbada de forma eventual por fogonazos argumentales, sonoros e imprevisibles. Estos fogonazos son sin duda lo mejor de la obra, alterando la calma aparente de su ritmo, aproximando la película al terror y generando cierta sensación de tensión, aunque sea momentánea. Realmente la obra no consigue transmitir la tensión esperada. Entendiendo que el uso de dejar al espectador a oscuras es para aumentar la tensión, este fracasa. Eden Lake (2008) de James Watkins cumple muchísimo mejor en este aspecto.

También fracasa en cierta forma el uso del recurso paranormal. Su uso tremendamente eventual y sin aparente explicación termina presentando ligeros problemas de fluidez con el conjunto. El recurso no sobra, pero tampoco aporta.

El film se centra muchísimo en Alex y Selma, interpretados por August Wittgenstein y Alma Terzic. La cercanía de los planos está destinada claramente a aumentar su protagonismo. Ellos son los encargados de transmitir los dos mensajes vitales que el film pretende. El personaje de Alma está lleno de frialdad. La capa de hielo que parece tener en el corazón, evita en cierta forma la empatía con el espectador. A pesar de ser una interpretación buscada, no termina de fluir con la naturalidad esperada.

La apatía viene precedida por el odio y la desconfianza, su personaje no desprende nada más a pesar de los largos y cortos planos que la caracterizan. La optimización del recurso tendría mayor sentido con un trabajo interpretativo más complejo. Caso contrario el del personaje de August. Su personalidad es claramente más abierta, inocente y bondadosa, facilitando mucho su interpretación. Su personaje fluye mucho mejor. Gracias a eso, ambos forman una dupla interesante, compensando la apatía de uno con la confianza del otro.

Ni pena ni gloria, solo rencor y guerra

La obra no destaca en ningún momento por su desarrollo, ni por su tensión y apenas por su reparto. El director usa el film como un mero instrumento para llegar a un fin, hacer llegar al espectador dos mensajes vitales, el rencor y el contraste. Cada uno de los mensajes tiene su propio y constante desarrollo en el film.

El primero, surge con la temprana aparición de Vuk y Milos, interpretados por Aleksandar Seksan y Sanin Milavic. Destacar que ambos actores cuajan un trabajo realmente sólido. El rencor de Selma hacía ellos por la guerra desata su desconfianza y gran parte del argumento. Avanzada ya la obra, el contraste entre el personaje de Alex y la propia Selma empieza a hacerse patente hasta convertirse en algo casi insostenible. Maus (2017) transmite ambos mensajes de forma eficaz, cumpliendo con su objetivo.

Maus. El fin convierte la obra en un medio

El film mantiene ese ritmo calmado, con sus fogonazos, y una buena cohesión argumental hasta la recta final. El contraste entre los dos protagonistas degenera de forma incomprensible llevando la obra a una situación que roza el esperpento. La cohesión se ve seriamente dañada, al igual que la seriedad que había invadido el conjunto. En cambio, la conclusión del rencor y el mensaje de la guerra en general sí concluye de forma acertada, incluso mejor de lo esperado. Buen punto final reafirmando la intención de la obra.

Valoración final

  • Lo mejor: los fogonazos sonoros y argumentales. El claro objetivo del director. La eficiencia en el mensaje que transmite la obra.
  • Lo peor: un desarrollo sin pena ni gloria. El incomprensible descenso de una parte del final. La falta de fluidez consigo mismo en el personaje de Selma.

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About the Author

Me inicié con Gore Verbinski, crecí con el maestro Craven, maduré con Wan y llegué al éxtasis con los padres del nuevo terror de la mano de VHS. Adoro el cine de terror en todas sus facetas. El Festival de Sitges, un paraíso, Habitación 217, un nuevo hogar. Torres de Segre. Lleida. Catalunya. España.

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